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¿Qué te Zappa?

Por Matías Duer

Numerosas veces he intentado emprender esta escritura, todas insatisfactorias. Mi neurosis me impone el mandato de la perfección. Voy a patear el tablero y empezar de cero, a ver qué pasa.

Voy a hablar de uno de mis mayores ídolos: Frank Zappa. No pretendo centrar la atención en su música; para eso existen varias guías que tratan acerca del orden indicado para incursionar en la vastísima obra de este prolífico artista, y también disponemos de varios medios cibernéticos para poder escucharla. Tampoco me interesa analizar el lugar que ocupa en la cultura popular (principalmente estadounidense), donde frecuentemente es visto como un sujeto extravagante y polémico. Para citar al maestro: “I’m famous, but most people don’t even know what I do” (soy famoso, pero la mayoría de la gente ni siquiera sabe lo que hago). Casi todas las entrevistas se enfocan en estos aspectos. Zappa escuchó hasta el hartazgo a entrevistadores cortos de miras señalando lo curioso y sorprendente que es que exista un músico de rock con pelo largo que al mismo tiempo esté en contra del consumo de drogas.

Esa pregunta estúpida es uno de los indicadores de la incomodidad de la gente ante una figura tal. Es precisamente por este tipo de cuestiones por las que Zappa es mi ídolo; en mi opinión, su arte representa ideas que desafían el sentido común, tan acostumbrado a establecer oposiciones binarias rígidas. Si es un músico de rock, es un hippie que se droga. Cuando decimos, por ejemplo, diversión y trabajo duro, parece que estamos hablando de elementos incompatibles, mutuamente excluyentes.

Una de las películas más conocidas de Zappa, Baby Snakes, cubre una serie de recitales de Halloween en New York durante el año 1977. Incluye múltiples animaciones en stop-motion hechas con figuras de arcilla por Bruce Bickford, un genio demente que combatió en Vietnam. El film comienza con ‘lo que la gente no ve’, es decir, la enorme cantidad de esfuerzo que implica montar un show de semejantes características. Primero, se ve una pequeña parte de un ensayo, y luego se lo ve a Zappa observando en vivo el arduo trabajo de Bickford, quien se encuentra fotografiando las figuras de arcilla a medida que las va moviendo con una precisión milimétrica. El resultado es impresionante; justamente, lo que la gente ve. Helo aquí:

Como pueden ver, el video habla por sí solo. Decir que es una genialidad sería redundante. De este modo, cae la oposición entre trabajo duro y diversión. Se entiende que el primero es una condición para maximizar el segundo. Creo que es de vital importancia reivindicar esta relación, especialmente teniendo en cuenta el nefasto mensaje, tan instalado en nuestra sociedad, que repudia todo tipo de esfuerzo, y ordena perseguir un placer simple y crudo (el cual, a fuerza de repetición, termina por volverse monótono).

También encuentro en la obra de Zappa un encomiable mensaje de fondo: ser libres y disfrutar de la vida. No es muy complicado hallar rabiosas críticas a figuras de autoridad tales como los padres, la policía, la iglesia, o cualquier institución que imponga de manera dogmática un pensamiento cerrado y retrógrado. Uno de los discos que mejor ejemplifican esto es We’re only in it for the Money, en donde Zappa dice que la parte más horrible de tu cuerpo es tu mente. Esto tiene consecuencias: “All your children are poor unfortunate victims of systems beyond their control/A plague upon your ignorance and the grey despair of your ugly life/All your children are poor unfortunate victims of lies you believe/A plague upon your ignorance that keeps the young from the truth they deserve” (Todos sus hijos son pobres víctimas desafortunadas de sistemas más allá de su control/Una plaga basada en la ignorancia de ustedes y en la gris desesperación de su vida horrible/Todos sus hijos son pobres víctimas desafortunadas de mentiras que ustedes creen/Una plaga basada en la ignorancia de ustedes que mantiene a los jóvenes alejados de la verdad que ellos merecen). Recuerdo que la primera vez que escuché esa canción, no lo podía creer; había quedado deslumbrado por la genialidad. Está lleno de personas estúpidas, perezosas, cobardes, y egoístas, que tienen hijos y los crían irresponsablemente, engendrando injustamente aún más estupidez.

Sin embargo, al hablar de este disco, muchos prefieren mencionar su pícara tapa:

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Este burlón guiño al Sgt. Pepper’s de los Beatles hizo que el disco de Zappa pasara a la fama como una crítica al incipiente movimiento contracultural de los hippies. Pero, como dije antes, una cosa no quita la otra. Uno puede repudiar en una canción a los policías que cagan a palos a los hippies, y al mismo tiempo bardear a los hippies por hacer un uso estúpido de su libertad. De hecho, Zappa lo hizo. No se trata de demonizar el consumo de drogas aduciendo alguna prohibición divina, sino de señalar que el discurso hippie de liberación social no es llevado a la práctica mediante estrategias efectivas, pensadas con seriedad. Nuevamente, la incomodidad de no poder reducirse a ninguno de los opuestos; ni la imposición institucional que inhibe el desarrollo de un pensamiento libre, ni la acción rebelde espontánea e irreflexiva que no lleva a ningún lado.

No es mi intención pintar a Zappa como una especie de líder revolucionario. Pero sí creo que es clara su intención de cambiar varios de los valores e ideas de la sociedad estadounidense. Y esto lo hizo -o lo intentó hacer- desde el ámbito artístico, por supuesto.

El ideal de una vida de placeres sofisticados y elevados, las exigencias de cuestionamiento constante que implica el pensamiento crítico, la exhortación a ser libres pero no imbéciles; todo eso hallo en la música y en las películas de Zappa. Se trata de la puesta en escena de piezas estéticas excelentes, sumamente ricas, que no pueden sino ser obra de un genio y talento increíbles.

Es en este sentido que decía que no iba a centrarme en la música o en los discos. Me interesaba más mencionar algunas de las razones por las cuales considero a Zappa uno de mis más grandes ídolos. No es simplemente que su música me provea un placer muy intenso (que, obviamente, lo hace), sino que también representa ideales con los que estoy de acuerdo, y según los cuales intento dirigir mi vida.

Las 22 composiciones de Harrison en Los Beatles

por @GFKArgentina | Gabriel F. Keena

Decidí armar un recopilatorio con todas las canciones que compuso George Harrison como beatle, quien durante la beatlemania fue definido como el beatle “callado” o “silencioso” pero con el transcurrir de los años, el bueno de George dejó bien en claro que tenía mucho para aportar.

Su calidad compositiva fue en total in crescendo al punto en el que llegó a igualar el nivel de las creaciones de Lennon y McCartney quienes siempre habían llevado la delantera, antes de que los Fab Four finalmente se separaran.

De hecho, Harrison se dio el gusto de meter un N°1 con el clásico “Something” e incluso escuchar a Frank Sinatra decir  “Something es mi canción favorita de Lennon-McCartney”.

En fin,  la idea es reivindicar el preciada herencia que George Harrison dejó durante su participación en Los Beatles, que siempre estará injustamente eclipsada por el coliderazgo que John Lennon y Paul McCartney detentaron en el grupo. Aclaración: no se incluyen los covers que él cantaba, sobre todo en los primeros discos, sino sus propias composiciones. Ahora sí, a disfrutar:

1 – Don’t Bother Me (1963)

Fue su primera composición para un álbum de Los Beatles y es un temazo. Se incluyó en el disco With The Beatles de 1963. Su incipiente estilo empezaba a asomar presentando una letra mucho más hosca y contrapuesta con las loas al amor que acostumbraban los Fab Four por aquellos años. Fue versionada por el gran Luis Alberto Spinetta en el disco Obras en Vivo de 2002.

2 – I Need You (1965)

Dos años debieron pasar para que Harrison volvería a aparecer en los créditos con dos canciones de su autoría para el álbum Help!. Desde aquí en adelante dejaría de cantar covers para empezar el laborioso desafío de colarse en el tracklist gobernado por John y Paul.  I Need You es su primer aporte romántico y melancólico inspirado, a la sazón, de su flamante novia Pattie Boyd, a quien conoció durante la filmación de la película A Hard Day’s Night. Musicalmente se caracteriza por el nostálgico delay de la viola, recurso novedoso y distintivo con el que demostraba por qué era el guitarrista principal de la banda.

 3 – You Like Me Too Much (1965)

Es la segunda composición suya en Help! y posiblemente sea una de sus canciones más flojas. Son sus primeros pasos como compositor y lógicamente Lennon y McCartney estaban varios niveles más arriba. Nuevamente exhibe una canción amorosa, tratando de nutrirse de su nueva relación, pero sin demasiadas ideas. De todos modos, la melodía y arreglos son más que acertados y no desentona con el resto de este brillante álbum.

4 – Think For Yourself (1965)

Después de un aporte discreto en Help!, Harrison se toma revancha con Rubber Soul y empieza a dar muestras de su enorme capacidad como compositor. Con este tema, George inaugura su ciclo más virtuoso que iría superando en cada álbum. Think For Yourself, cuya letra nos presenta a un letrista más parecido al de Don’t Bother Me que al de las dulces palabras de amor que canta en Help!. La traducción es “Piensa por ti mismo” y allí se dispone a ponerle los puntos al que venga a venderle espejitos de colores: “hace lo que tengas ganas de hacer, y andá a donde quieras ir, pensa por ti mismo, porque yo no voy a estar ahí con vos”. El George filoso empieza a asomar.

 5 – If I Needed Someone (1965)

Sin dudas, uno de mis temas favoritos de George y de ese hermoso disco que es Rubber Soul. Siempre me pareció que la intro daba para poguearla. Una brillante y armoniosa melodía acompaña a una letra sincera “si necesitara alguien para amar, vos serías la única en la que estaría pensando”. Eclipsado un poco por gemas como “Something” o “While My Guitar Gently Weeps” este temazo merece estar en la cabeza de todos.

6 – Taxman (1966)

La influencia de George comienza a dar sus frutos y se escucha, por ejemplo, en la incursión del sitar en el sonido de la banda, pero más aún en el listado de canciones. En Revolver, ya no son dos, sino tres las canciones suyas y encima una de sus mejores creaciones es la encargada de abrir el emblemático disco. Tan solo tres años habían pasado de su iniciadora Don’t Bother Me y ya escribía clásicos como Taxman. Además de la vanguardia rockera que propone en lo musical, es una de las pocas canciones en que Los Beatles atacan directamente al gobierno británico . La presión burocrática y los astronómicos impuestos confiscatorios que debían pagar llevaron a que George escribiera esta valiente letra contra el “hombre de los impuestos”. Taxman se lleva el mérito de ser la única canción que abre un disco beatle sin pertenecer a la firma Lennon/McCartney.

7 – Love You To (1966)

Todos sabemos de la suprema importancia que tuvo George en incorporar elementos de la música de la India al rock de Los Beatles y al incipiente movimiento hippie. Discípulo del maestro Raví Shankar, supo ser un obsesivo alumno del sitar, instrumento tradicional hindú, con el que aportó un sonido vagamente explorado en Occidente. Su innovación provocó una gran influencia en otras bandas de rock que comenzaron a incluirlo – Brian Jones de Los Rolling Stones quedó fanatizado al escucharlo- además de convertirse en un sonido predilecto por el hippismo que emergía por aquellos años.

8 – I Want To Tell You (1966)

Tercer y último tema que Harrison aporta a uno de los mejores discos – para muchos el mejor- de la historia. Con una melodía más clásica, es el tema más estilo beatle de los tres que tiene Revolver. Excelente comienzo con un arpegio que tiene mucha onda. Se destaca la línea de piano y bajo que aporta Paul.

9 – Within You Without You (1967)

El único tema de Harrison al emblemático Sgt.Peppers Lonely Hearts Club Band es una obra maestra de la música contemporánea. Debo confesar que yo entré a este álbum cuando escuché ésta impresionante canción. Me pasé horas enfrascado en esa magnífica pieza musical. Después fui descubriendo el resto, pero debo admitir que tal vez no le hubiese dado demasiada importancia al disco si existiese tremenda composición. Harrison mágicamente logra que una compleja obra hindú se cristalice en una canción pop, tarea que solo unos pocos, son capaces de lograr. Un deleite absoluto.

10 – Blue Jay Way (1967)

Es una de sus composiciones más exóticas. La misteriosa melodía combina su lado místico con una faceta psicodélica, muy en sintonía con la música que Los Beatles estaban experimentando por aquel tramo, sobre todo en el famoso Magical Mistery Tour de 1967. Un detalle muy típico del inasible universo beatle: Harrison, siendo el principal guitarrista, compone una canción sin guitarras, eligiendo el órgano Hammond como creador musical de ésta inusual composición.

11 – While My Guitar Gently Weeps (1968)

Para muchos, su obra maestra. Además el epónimo doble conocido popularmente como “white album” es uno de mis predilectos.  Al ser un disco doble, George pudo mostrar más composiciones de las dos o tres que le permitían meter en los predecesores. No es ninguna genialidad decir que Harrison se encontraba ya en un pico creativo que se traducía en superlativas composiciones. Tras la sorpresiva muerte del manager Brian Epstein, George propuso a los otros tres internarse por un tiempo en la India con el famoso maharishi para poder escapar de la inesperada y atocigante situación en la que de repente se encontraban. Su estadía fue muy fructífera para él y para el crecimiento de sus canciones. Eric Clapton fue el primer músico – sacando a su productor George Martin-   en participar de la grabación de un tema y lo hizo justamente en este brillante clásico eterno, aportando sus desgarradores solos de guitarra.

12 – Piggies (1968)

La otra canción del primer disco es esta sátira que muy elocuentemente Harrison dirige hacia la clase aristocrática de Inglaterra, marcada con una estructura barroca, utilizando el clavicémbalo y un cuarteto de cuerdas. Simpático tema que merece ser coreado en un bar, chocando los porrones repletos de birra tirada.

13 – Long, Long, Long (1968)

Una canción profunda y reflexiva. Una melodía lenta y apaciguadora se escurre entre la voz de George. Posiblemente poco valorada entre la gran cantidad de temazos que tiene el disco doble, sin embargo es una gran obra que merece ser escuchada. Reconozco que comencé a valorarla bastante tiempo después, cuando al prestarle más atención, sentí la confortable nostalgia con la que George suele golpearme.

14 – Savoy Truffle (1968)

Al igual que en Piggies, George se toma un rato para joderlo a Eric Clapton con su adicción a los chocolates. La canción es una sucesión de nombres de bombones que encontró en una caja. No se parece en nada a las demás canciones de su estilo. Algunos dirán que cometo una blasfemia, pero me recuerda a la estructura compositiva que suelen tener los temas del Indio Solari como solista. De hecho me gustaría escuchar una versión con su particular sello. Además, la utilización de seis saxofonistas le dan un toque distintivo de todo lo que habían hecho Los Beatles al momento.

15 – The Inner Light (1968)

Otro temón. Es el primer sencillo de su autoría. Salió como lado B junto a Lady Madonna. La canción está inspirada en el capítulo 47 del Tao Te King de Lao Tsé, obra fundamental del taoísmo. La música fue grabada con instrumentos hindúes en Bombay. En mi opinión, una de sus mejores obras. Recomiendo el cover realizado por Jeff Lynne y Anoushka Rankar en el concierto homenaje de 2002 titulado Concert For George. Se te pianta un lagrimón.

16 – Only a Nothern Song (1969)

Incluida en ese extraño álbum que es Yellow Submarine, Harrison se mete con sus colegas creativos al referirse a la compañía Nothern songs Ltd., una empresa de publicación de música para explotar las composiciones de la dupla Lennon/McCartney. Harrison era propietario sólo de un 0.8% y era contratado por la compañía como compositor pero Paul y John recibían más ganancias por sus composiciones que las que podía obtener Harrison. Un claro síntoma de agotamiento.

17 – It’s All Too Much (1969)

Es la otra composición para Yellow Submarine. Un rock con pinceladas lisérgicas. Es su canción más extensa en la discografía beatle, dura más de seis minutos y es un torbellino ácido de guitarras distorsionadas que emanan para descargar una especie de catarsis ruidosa, parándose bien lejos de la propuesta más armónica de McCartney y acercándose al estilo Hendrix.

18 – I Me Mine (1969)

Uno de las mejores secuencias de la historia se puede ver en la fallida película Let It Be: Harrison, McCartney y Ringo se encuentran ensayando este temazo mientras Lennon baila con Yoko en clave de vals. Con respecto a la letra, George se planta y simplemente dice “Yo soy mío”.

19 – For You Blue (1969)

Una de las últimas canciones de amor dedicada a Pattie Boyd, su musa inspiradora en aquellos años ya que unos años más tarde la relación finalizaría y Eric Clapton – sí su mejor amigo – iniciaría una relación con la actriz inglesa. En fin, For You Blue se publicó como single junto a The Long And Winding Road, ambas pertenecientes a Let It Be, el último álbum de estudio de Los Beatles en publicarse, aunque estrictamente se grabó antes que Abbey Road, disco con el que técnicamente se despidieron.  Cabe mencionar también el aporte de John, que si bien nunca tuvo grandes intervenciones en las canciones de George, aquí participa activamente utilizando la técnica del slap steel guitar con la que embellece esta simpática canción.

20 – Old Brown Shoe (1969)

Decir que George se guardó lo mejor para el final sería subestimar el gran legado que construyó en su carrera como beatle. Tampoco se puede negar que sus dos grandes himnos llegaron con el último disco de estudio que publicó el cuarteto de Liverpool: estamos hablando de Something y Here Comes The Sun. Sin embargo, hay una tercera canción que Harrison logró publicar como single antes del final de la banda. Se trata de Old Brown Shoe, sencillo que fue lanzado junto a The Ballad Of John & Yoko. Mucho tiempo después, el tema sería incluido en el Past Master Vol. 2. Es un rock n’ roll bien potente y eléctrico que se distingue del lado más sensible y melódico que ofrece en Something y Here Comes The Sun, la tríada con la que Harrison se despidió de Los Beatles.

21 – Something (1969)

Como decíamos anteriormente, su máxima obra llegó en el último disco de Los Beatles. Después de muchos años de esfuerzo y dedicación, George Harrison alcanzaba el prestigio como compositor que, hasta ese momento, era exclusivo de la dupla Lennon-McCartney. Tanto Paul como John elogiaron esta canción como una de las mejores que había escrito pero más allá del elogio de sus compañeros, Something tuvo la aprobación masiva y los merecidos reconocimientos por parte del público y la audiencia. Con ella, George finalmente logró conseguir el primer número uno en las listas norteamericanas, además se convirtió en la canción más versionada del grupo después de Yesterday y la BBC señaló que con esa composición, Harrison demostró que había tres grandes compositores en Los Beatles, entre otros reconocimientos con los que aún hoy la distinguen como una de las piezas musicales más bellas del siglo pasado.

22 – Here Comes The Sun (1969)

Mi composición favorita. George se despide con una guitarra suave y tierna de la que se desprenden dulces melodías reconfortantes. En los caóticos días del final, George fue a la casa de Eric Clapton a distenderse un poco, y en el patio de su casa pudo ver el sol – algo poco frecuente en la capital inglesa – y se sintió más aliviado: “It’s alright”. El gran reconocimiento a este clásico puede reflejarse actualmente en la plataforma de streaming Spotify ya que es, hasta el momento, la canción más reproducida de toda la discografía de los Fab Four. Como podemos ver, su última perla musical con Los Beatles, se mantiene más vigente que nunca.

 

PUEDE SEGUIR LA PLAYLIST EN SPOTIFY QUE ARME SI LES APETECE (?)

 

Los 20 recitales con mayor convocatoria del Rock Argentino

por @GFKArgentina | Gabriel F. Keena

El recital del Indio Solari en Olavarría, acontecido el 11 de marzo pasado y en el que hubo que lamentar la muerte de dos personas, posiblemente haya marcado un nuevo récord histórico de convocatoria en un solo concierto. Todavía no hay cifras oficiales de asistentes (difícilmente las haya) pero el intendente de la ciudad Ezequiel Galli (en la mira por la pésima organización) declaró que asistieron más de 300 mil personas, mientras que la fiscal que investiga la causa no descarta un número mucho mayor, cercano a las 500 mil espectadores. Incentivado por esta multitudinaria ¿e inesperada? convocatoria me dispuse a investigar aquellos shows organizados por bandas o artistas nacionales que más gente congregaron en la breve historia del rock argentino.

Tres pertinentes aclaraciones: 1) Se tienen en cuenta los recitales gratuitos. 2) La lista no incluye a los festivales multibandas como Cosquín Rock o Quilmes Rock, por nombrar los más emblemáticos sino que se conciben recitales organizados por un solo artista o grupo. 3) El último aspecto, quizá más polémico, refiere a que fueron contemplados conciertos consecutivos – o con fecha cercana- en un mismo lugar. Por ejemplo, los 5 recitales prácticamente consecutivos de Soda Stereo en el Estadio de River en 2007 (quedan fuera el de 1997 y el del 21 de diciembre de 2007 por su lejanía con la seguidilla)  así como también los dos recitales seguidos que también ofrecieron los Redondos, los Fabulosos Cadillacs y Serú Giran en la emblemática cancha del millonario son incluidos en esta lista. Es decir que dichos shows se suman en el total de asistentes, considerando que la división de la convocatoria es válida, aunque algunos le darán mayor mérito al que logra aunar a la multitud en un sola fecha.

Gracias al aporte de nuestros seguidores, que desinteresadamente nos informaron de recitales multitudinarios que no habíamos tenido en cuenta, pudimos confeccionar nuevamente la lista y ajustarla. Aquí están nuestros 20 recitales:

20 – FITO PÁEZ | 2 RECITALES EN ESTADIO DE VÉLEZ SARSFIELD | ABRIL DE 1993 | entre 70.000 y 80.000 personas, dividido en 2 shows de 35.000 o 40.000 cada uno.

Los recitales multitudinarios, con la excepción de Serú en los 80, comenzaron a florecer en la última década del siglo XX. En 1992, Serú Giran sería el primer grupo nacional en conquistar River y un año después, tras el éxito arrollador del Amor después del amor (el disco de Rock Nacional más vendido de toda la historia) Fito Páez esquivaría el Monumental pero sellaría su máxima popularidad con dos conciertos consecutivos en Vélez (24 y  25 de abril de 1993), convocatoria que ningún artista solista argentino había logrado conseguir hasta ese momento. Más de 70 mil personas acudieron a aquellos shows históricos y Fito recién había cumplido 30!!! Eso no es todo, en diciembre llegaría un tercer recital en esa misma cancha a beneficio de UNICEF. Fito y Vélez, un solo corazón (?).

19 – LA RENGA | 2 RECITALES EN EL ESTADIO DE VÉLEZ SARSFIELD | JULIO DE 2005 | 80.000 personas, divididas en 2 shows de 40.000 cada una.

El trío de Mataderos es, sin dudas, uno de los grupos con mayor convocatoria en la historia de nuestro rock. Fueron la cuarta banda en llenar River y no solo eso, sino que también entra en la selecta fracción de artistas argentinos que tocaron más de una vez en el Monumental. Desde hace más de 20 años, La Renga se encarga de colmar cualquier lugar donde toque. Uno de los conciertos más recordados fue el doblete consecutivo en Vélez, algo que solo Fito Páez había conseguido hasta el momento. En dos días la banda congregó 80 mil personas y demostró su masiva popularidad. Dos años más tarde, ostentaría el récord de aunar 100 mil personas en el Autódromo de Buenos Aires, siendo el recital pago con mayor convocatoria en una sola noche. Después entraría a jugar el Indio Solari y las marcas ascenderían.

La Renga

18 – INDIO SOLARI | AUTÓDROMO EUSEBIO MARCILLA DE JUNÍN | SEPTIEMBRE DE 2011 | Entre 80.000 personas y 100.000 personas con y sin entrada.

De los últimos 6 años, el 2011 fue el más productivo para el Indio Solari: ofreció tres recitales en Salta, Tandil y Junín, trilogía que no volvería a poder cumplir en los años posteriores. Este último sería el más multitudinario, congregando a 80 mil feligreses que acudieron a la clásica misa. A partir del show en Junín, las subsiguientes presentaciones no dejarían de aumentar la cantidad espectadores. Es así que este recital sería el puntapié inicial de una saga de conciertos que se encargarían de demostrar por qué el Indio es el artista más convocante en la historia de la música argentina.

Indio en Junín
Fuente: Taringa!

17 – LOS PIOJOS | PLAZA MORENO DE LA CIUDAD DE LA PLATA | DICIEMBRE DE 1999 | 100.000 personas sin entrada (show gratuito)

Comienza la saga de los recitales gratuitos organizados por la Municipalidad de La Plata en el marco del aniversario de la capital bonaerense. Debido a la gratuidad de la propuesta, suelen ser show multitudinarios en los que muchas bandas aprovechan para tocar ante más de 100 mil personas. La banda liderada por Ciro Martínez pudo tachar de la lista varios objetivos que toda banda argenta quiere cumplir, entre ellos, presentarse en River dos veces. Si bien todos recordamos su despedida en el Monumental ante 70 mil personas, en los últimos días del siglo XX, Los Piojos alcanzaron su máxima convocatoria.

Piojos en Plaza Moreno

16 – LOS RODRÍGUEZ | PLAZA MORENO DE LA CIUDAD DE LA PLATA | NOVIEMBRE DE 1994 | 100.000 personas sin entrada (show gratuito)

Este emblemático recital es mucho más conocido por la célebre frase que dijo Andrés Calamaro que por la multitud que asistió a ver el espectáculo de rock en el marco del 112 aniversario de la ciudad de La Plata. “Me estoy poniendo tan a gusto que me fumaría un porrito” dijo El Salmón antes de comenzar a tocar Mi rock perdido. La confesión le traería más de un dolor de cabeza, además de una denuncia por “apología del delito” de la que fue sobreseído DIEZ AÑOS después. De aquel multitudinario concierto,que convocó a 100 mil personas en la capital provincial poco se sabe. No pude encontrar crónicas ni reseñas, tan solo algunos videos en YouTube. El comienzo de la década del 90 mostraría el poder de convocatoria que iban a tener los recitales de rock: Soda Stereo, Serú Giran, Fito Páez y Andrés Calamaro, junto a su recordado grupo Los Rodríguez.

15 – SUI GENERIS | PARQUE SARMIENTO | ENERO DE 2001 | 100.000 personas sin entrada (show gratuito)

El dúo más famoso del Rock Nacional volvió a presentarse 25 años después y la respuesta del público no hizo más que demostrar la vigencia de su legado. En diciembre del 2000, Charly y Nito tocaron en la Bombonera ante 30 mil personas y al mes siguiente lograron congregar a cien mil personas en el Parque Sarmiento del barrio porteño de Saavedra, en el marco del festival gratuito Verano Buenos Aires. Nadie puede poner en duda la popularidad de Charly García en nuestro país: llenó River (dos veces) por primera vez para una banda local , convocó a cien mil personas con su primer proyecto musical y hasta sería capaz de redoblar su convocatoria con un concierto solista en Puerto Madero. Charly hay uno solo.

14 – LA RENGA | AUTÓDROMO DE BUENOS AIRES | NOVIEMBRE DE 2007 | 100.000 personas con entrada

Mientras Bersuit acariciaba la gloria alcanzando su primer River, La Renga ya había hecho dos y se había cansado de colmar estadios de fútbol. Por eso no resulta extraño que sea la primera banda en convocar a 100 mil personas en un recital pago.  Aquella noche Chizzo y compañía subieron la vara, a pesar de los inconvenientes técnicos y organizativos que ya encendían la alarma. Ya no alcanzaba un River para superarlos. Seis años tardaría en destronarlos el Indio Solari cuando en Mendoza declaró que ese concierto con 120 mil personas era el show pago más multitudinario de la historia del Rock Argentino.

13 – INDIO SOLARI | AUTÓDROMO JORGE ÁNGEL PENNA DE MENDOZA | SEPTIEMBRE DE 2013 | 120.000 personas con entrada

Después de un 2011 intenso, el Indio decidió no tocar durante todo el año siguiente para reaparecer en Mendoza y de una vez por todas destronar a La Renga quienes ostentaban tener el recital pago con mayor convocatoria en la historia del rock, cuando el trío de Mataderos aunó 100 mil personas en el Autódromo. “No hay palabras para agradecerles. Estoy muy emocionado. Somos una ciudad, me dicen que nunca tanta gente pagó para ver un recital”, dijo el ex cantante de Los Redondos, exhibiendo su nuevo récord de público que él mismo se encargaría de superar.

mendoza indio
Fuente: Taringa!

12 – LOS FABULOSOS CADILLACS | 2 RECITALES EN ESTADIO RIVER PLATE | DICIEMBRE DE 2008 | Entre 120.000 y 126.000 personas con entrada

Les costó llegar a River pero cuando lo hicieron no alcanzó una sola fecha y tuvieron que hacer dos consecutivos algo que muy pocas bandas pueden lograr. Ambos conciertos estuvieron netamente ligados a su regreso tras un impasse de 6 años en el que sus integrantes, sobre todo Vicentico y Flavio Cianciarulo, pudieran hacer sus proyectos solistas. En aquellas calurosas noches de verano los Cadillacs repasaron su extenso repertorio con varios invitados, entre ellos, Pablo Lescano y Mimi Maura.

11 – SERÚ GIRAN | 2 RECITALES EN EL ESTADIO DE RIVER PLATE | DICIEMBRE DE 1992 | Entre 120.000 y 140.000 personas con entrada.

La reunión de Serú Giran en 1992 trajo un disco nuevo y una novedad inédita: por primera vez una banda argentina de rock ofrecería dos recitales en River. Cabe aclarar que los recitales no fueron consecutivos pero están separados apenas por unas semanas de diferencia: el primer show fue el 19 de diciembre mientras que el segundo fue el 30, fecha emblemática para el grupo ya que doce años atrás habían tocado para 50 mil personas. Un dato de color: durante el show un sector del público inició el cantito “y ya lo ve, y ya lo ve, es para Soda que lo mira por TV” a lo que Pedro Aznar contestó: “Nosotros también miramos a Soda por TV” reivindicando al trío liderado por Gustavo Cerati. Después de los conciertos, cada uno retomó su propio rumbo, dejando a Serú Giran en lo más alto de la música popular argentina.

10 – PATRICIO REY Y SUS REDONDITOS DE RICOTA | 2 RECITALES EN EL ESTADIO RIVER PLATE | ABRIL DE 2000 | Entre 120.000 y 140.000 personas con entrada.

Lógicamente no podían faltar los dos emblemáticos conciertos de Los Redondos en River. Ambas fechas fueron colmadas por la multitud ricotera que no iba a perderse el regreso de la banda a la Capital Federal, menos aún, si el regreso ocurría en el icónico estadio. Los espectáculos se dieron en el epílogo de su carrera, un año después darían su último show en Córdoba para dar inicio a un impasse que decantaría en la disolución de la sociedad Skay-Poli-Solari. Las crónicas no dejan de remarcar el carácter histórico de ambos conciertos, aunque lamentablemente también hacen hincapié en los graves incidentes ocurridos tanto dentro como fuera de la cancha. De hecho, pocos días después de los shows, un asistente falleció en el Hospital Pirovano producto de las heridas provocadas por un arma blanca, además de los 150 heridos que dejaron como saldo los dos conciertos. En el primero de los dos recitales, el Indio Solari le habló al público en un tono indignado y apesadumbrado.

9 . NO TE VA A GUSTAR | PLAZA MORENO DE LA CIUDAD DE LA PLATA | NOVIEMBRE DE 2014 | 150.000 personas sin entrada (show gratuito)

Si caemos en un nacionalismo extremo, técnicamente esta banda debería quedar fuera porque no es argentina, a pesar que su cantante si lo es. Aún así, las bandas uruguayas son consideradas en el amplio espectro que comprende eso que llamamos Rock Nacional. La invasión de grupos charrúas en los 90’s, se masificó en la década siguiente con el ascenso de popularidad que alcanzó principalmente No te va a gustar (NTVG), que además de convocar a 150 mil personas en este tradicional festejo platense, también logró llenar Vélez en dos shows consecutivos, algo que muy pocos grupos de rock en la actualidad pueden conquistar.

ntvg

8 – SODA STEREO | PLAZA MORENO DE LA CIUDAD DE LA PLATA | NOVIEMBRE DE 1995 | 150.000 personas sin entrada (show gratuito)

En 1995, Soda publicaría su último álbum de estudio intitulado Sueño Stereo. El trío más famoso de Latinoamérica comenzaba a marchitarse lentamente, sin embargo su popularidad estaba lejos de decaer. A fines de ese año, Cerati y compañía desembarcarían en los festejos platenses y convocarían a más de 150 mil asistentes que celebraron un nuevo aniversario de la ciudad con la música de Soda Stereo. De todos modos, semejante multitud no pudo alcanzar la cifra que la banda aunó a principios de los 90 en otro show gratuito.

7 – INDIO SOLARI | HIPÓDROMO DE TANDIL | MARZO DE 2016 | 150.000 personas con y sin entrada.

Después de las críticas vinculadas a la mala organización del concierto en Gualeguaychú, el Indio decidió encarar un show más profesional en Tandil e incluso abrió las puertas para una megaproducción audiovisual que se tituló Tsunami. Un océano de gente que puede verse en la página web de Vorterix que incluyó entrevistas a los integrantes de su banda así como un exclusivo reportaje a cargo del periodista y empresario Mario Pergolini, suceso periodístico que jamás había ocurrido con el artista. Si bien aquel show superó el público de Mendoza, las crónicas indican que en el recital de Gualeguaychú convocó más espectadores, alcanzando los 180 mil espectadores.

IndioTandil
Fuente: En línea noticias

6 – INDIO SOLARI | HIPÓDROMO DE GUALEGUAYCHÚ | ABRIL DE 2014 | Entre 170.000  y 180.000 personas con y sin entrada.

Aquí no hay mucha historia. Todos sabemos que el Indio se encargaba cada año de superar su propia marca. Así pasó con Tandil, Junín, Mendoza y ahora llegaría el turno de Gualeguaychú donde alcanzaría la cifra de 180 mil personas, dejando muy atrás las 100 mil con las que La Renga se había impuesto en 2007. De todos modos, la ambición de masividad que Solari pretendía en cada concierto traía consigo nuevas complicaciones: más allá del éxito taquillero, fue un show caótico plagado de incidentes técnicos y logísticos. 

5 – GUSTAVO CERATI | FIGUEROA ALCORTA Y LA PAMPA EN CAPITAL FEDERAL | MARZO DE 2007 | 200.000 personas sin entrada (show gratuito)

El 2007 fue un buen año para congregar multitudes. La Renga lograría el récord de alcanzar, por primera vez para una banda nacional, la cifra de cien mil entradas pagas. A su vez, Bersuit se coronaría como el sexto grupo en llenar el Estadio de River. Además, a fin de ese año llegaría la infernal seguidilla de Monumentales con los que Soda Stereo rompería todas las marcas. Sin embargo, unos meses antes Gustavo Cerati se dio el gusto de ser reconocido por su trabajo solista cuando consiguió aunar a 200 mil personas en el Ciclo Verano 07 organizado por la Ciudad de Buenos Aires. “Fue el mejor concierto de mi vida” dijo Gustavo Cerati aquella noche. Su estridente declaración no se relacionaba tanto con el número de espectadores sino con la posibilidad de cumplir su máximo sueño musical: tocar con Luis Alberto Spinetta.

4 – SODA STEREO | RECITAL EN LA AVENIDA 9 DE JULIO | DICIEMBRE DE 1991 | 250.000 personas sin entrada (show gratuito)

El descomunal show se concretó en el marco de un festival gratuito que se tituló Mi Buenos Aires Querido, organizado por la Municipalidad de Buenos Aires (no, no es un error) cuyo intendente era el polémico Carlos Grosso, quien renunció al año siguiente, salpicado por escándalos de corrupción en su administración. El recital de Soda Stereo se realizó el 14 de diciembre 1991 y contó con una concurrencia récord. Es que el año anterior habían publicado su disco más venerado por la crítica: Canción Animal. Cerca de 250 mil personas invadieron la 9 de Julio y la convirtieron en un interminable hormiguero de gente. Una nota publicada el año pasado por Clarín recuerda que el recital de Soda fue más multitudinario que el que ofreció Luciano Pavarotti al día siguiente. Con ese histórico recital Soda Stereo se convirtió en ostentar el show más multitudinario de la historia argentina, aunque 8 años después Charly García se encargaría de superarlo.

3 – CHARLY GARCÍA | RECITAL EN PUERTO MADERO | FEBRERO DE 1999 | Entre 250.000 y 300.000 mil personas sin entrada (show gratuito).

Organizado por el Buenos Aires Vivo III, que en una de sus ediciones fallecieron dos asistentes, Charly se disponía a presentar un concierto conceptual, más ambicioso y polémico que el que realizó en Ferro cuando presentó su carrera solista. Tal como indica la crónica de la Rolling Stone, la idea era evocar los años trágicos de la dictadura representada con los tristemente célebres “vuelos de la muerte” que consistían en arrojar al río, o al mar, los cuerpos de las víctimas del terrorismo de Estado. La controvertida idea fue rechazada por Hebe de Bonafini, presidenta de Madres de Plaza de Mayo. Aún así, Charly las invitó al escenario para compartir el escenario donde pudo estrecharles un cálido abrazo. El histórico recital que rompió la marca de Soda Stereo, está documentado en el disco Demasiado Ego.

demasiado ego

2 – SODA STEREO | 5 RECITALES EN EL ESTADIO DE RIVER | OCTUBRE Y NOVIEMBRE DE 2007 | 350.000 personas con entrada.

Como aclaré en el principio de la nota, quedan fuera el concierto de 1997 así como el sexto Monumental con el que cerrarían su regreso a los escenarios enmarcados en la gira latinoamericana titulada Me Verás Volver. La vuelta del trío reavivó la sodamanía dormida tras la separación y eso tradujo a una demanda nunca vista en la historia argentina: ni siquiera en el caso de las visitas internacionales. En pocas horas se agotaron los tres shows en River y tuvieron que agregar dos más. Además, hay que remarcar la que el costo de las entradas no eran tan accesibles como las de otros artistas o grupos convocantes de nuestro país. En el plazo de 15 días tocaron para 350 mil personas, multitud que nadie había conseguido al momento. Después llegaría un último concierto con el que quebrarían el récord stone de llenar River en cinco ocasiones. Recién en 2012 con los 9 shows de Roger Waters, Soda perdería ese impresionante logro. Con 7 recitales en River, más un show en la 9 de julio que convocó 250 mil personas, Soda Stereo sigue siendo el grupo más convocante de la Argentina.

Soda Stereo

1 – INDIO SOLARI | RECITAL EN EL PREDIO RURAL LA COLMENA DE OLAVARRÍA | MARZO DE 2017 | Entre 350.000 y 500.000 espectadores con y sin entrada.

El sábado 11 de marzo de este año finalmente el Indio Solari logró congregar a una multitud como ningún otro artista en la historia argentina. Este fenómeno de movilización y convocatoria para un concierto de rock no se replica en ningún otro país del orbe. Desde aquel show de Mendoza – en el que Solari consiguió ser el artista que más gente llevó en un show pago – sus recitales subsiguientes fueron superando sus propios récords hasta llegar a la insanía que fue Olavarría. Sin embargo, cuando el cantante entrerriano podría jactarse de ser un mesías, la tragedia aparece para recordarle su condición humana. El inicio de un show caótico y la noticia de dos muertes, condicionaron la actuación del ex redondito que se mantuvo distante y decepcionado. Seguramente reaparecieron los recuerdos de River (¡escúchenme carajo!) porque una vez más tuvo que parar el espectáculo para denunciar nuevos incidentes, solo que ésta vez parecía completamente sobrepasado, en sintonía con una ciudad completamente colapsada. Lo que iba a ser el festejo de un nuevo récord de convocatoria en la historia argentina, terminó siendo un recital frío y lejano. Muchos de sus seguidores mascullan la famosa frase ricotera “no me gustó cómo nos despedimos” pero parece que después de este paso en falso (recrudecido por un ataque mediático a su figura) y teniendo en cuenta su compleja enfermedad, el recital del sábado fue la última misa del Indio.

FUENTES:

  • EL EXPRESO IMAGINARIO:
  • REVISTA ROLLING STONE
  • CLARÍN
  • PERFIL
  • VÓRTERIX
  • PÁGINA/12
  • LA NACIÓN
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