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Lo que nunca te animaste (?) a preguntarle a tus ídolos, te lo resolvemos nosotros..

#Entrevista | Derribando Muros

Tras 15 años de integrar la banda de rock Jerbos, Pablo Zago decidió soltar amarras para apostar todo a su carrera solista, pero antes tuvo que deshacerse de todos los muros que había construido. Después de una larga charla, nos contó cómo lo hizo.

por @GFKArgentina

No fue el ánima de Jimi Hendrix. Tampoco un sueño revelador. Fue un simple roedor similar al hámster, el mesías que les indicó el camino cuando se posó arriba de una revista Rolling Stone y, quizá sin saberlo, les marcó el camino para siempre. Fue en honor a su valioso aporte que decidieron bautizar Jerbos a la banda que estaba naciendo.

Así fue como Pablo Zago, con tan solo 13 años, se abrió camino junto a su grupo de rock en los bares y boliches de Luján. En aquellos años de efervescencia adolescente, era el encargado de replicar los agudos tonos de Axl Rose, influenciados por el hard rock y el heavy metal de finales de los 80 y principios de los 90, para después además asumir las composiciones del grupo.

Desde entonces Jerbos atravesó distintas etapas en las que frecuentaron años intensos y productivos combinados con otros más apagados, focalizados en sus proyectos individuales no vinculados a la música.

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Una década más tarde de aquella revelación, la llama parecía comenzar a consumirse para lentamente archivarse en un recuerdo adolescente. Concentrado en su trabajo, la universidad y con planes de casamiento, Pablo comenzaba a despedirse de su sueño artístico. Another brick in the Wall.

Ladrillo tras ladrillo – para seguir en la metáfora floydeana- Pablo se fue asfixiando en una rutina cíclica de la que cada vez tenía que auto convencerse más. Sin embargo, diversas situaciones que fueron sucediendo lo empujaron a rasguñar las paredes con desesperación.

“Hay cosas que viví muy intensas que me hicieron crecer mucho. Con dolor, sufrimiento y alegría. Descubrí eso y hasta llegué a pensar que era necesario que me sucedan cosas que me hagan sufrir para poder crecer. Indagué mucho en las filosofía vinculada al budismo, al Tao y también al catolicismo en busca de respuestas y en definitiva, más allá de las religiones, creo que uno va creando su propia filosofía o su propio modo de ver el mundo.”

Pasaba el tiempo y los muros seguían ahí, a tal punto, que un día dejaron de ser imaginarios y pasaron a ser cuatro paredes de concreto, palpables, reales:

“Yo aprendí lo que es la libertad cuando estuve preso en Estados Unidos rodeado de pandillas narcos mexicanas. Fui a tocar a un bar, había tomado alcohol, me frenó la policía mientras manejaba y me metieron en cana. En ese instante, todas las secuencias que se te puedan ocurrir pasaron por mi cabeza. Y el cuerpo lo siente.  Supe lo que es cuando un tipo te mira con otros ojos. Llamé a mis amigos llorando pidiendo que me saquen urgente porque no sabía qué me iba a pasar y, lo peor de todo, por primera vez supe lo que es perder la libertad. Y esa experiencia me sirvió para reconocer el valor de la libertad. Cómo no ser agradecido. Cómo no sacarle provecho a eso. Me fueron a buscar mis amigos, ellos pagaron la fianza, y cuando salí y vi el sol automáticamente me largué a llorar. Ahí me di cuenta de que somos libres, salvo que no elijas la libertad. Ese fue un muro que yo mismo cree y aprendí. Lo pude romper.”

Después de semejante vivencia, Pablo se dio cuenta que aquel lejano llamado del jerbos no podía extinguirse. Ahora que conocía el precio de la libertad, era un buen momento para agarrar el martillo y empezar a demoler los muros que lo habían alejado de su verdadera pasión. La banda siguió un tiempo más y fue determinante para apoyarse en sus compañeros amigos y retomar el camino artístico: “Jerbos fue un crecimiento que me ayudó a romper esas cadenas y en cierta forma, sigue estando presente en mí.”

Sin embargo, tras pasar la mitad de su vida junto a sus hermanos en la música, una nueva faceta artística, más personal e introspectiva, empezó a aflorar en su estilo artístico que cada vez se alejaba más de la identidad Jerbos. Sin querer manipular esa valiosa etapa, decidió soltar las amarras del grupo, para finalmente encarar con total transparencia una nueva senda en la que se presenta tal como es. Con nombre y apellido: Pablo Zago.

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“Algunos me decían que iban a ver a Jerbos pero que en realidad les gustaba Pablo Zago y otros que les gustaba Jerbos pero no Pablo Zago. Ahí me di cuenta que son dos cosas totalmente distintas. Entonces, me convencí de que tengo que comunicar mi identidad. Me sentía egoísta estando con Jerbos y queriendo ser Pablo Zago.”

Después de pasar la mitad de su vida en una banda, de repente se encontró prácticamente solo, pero contemplando un horizonte sin muros, y sin cadenas sobre los pies, se puso a andar.

“Hace un año, me vi solo. En realidad, no. Gabriel Rodríguez Basso (guitarrista de Jerbos) desde el primer momento aceptó sumarse a esta propuesta solista y, poco a poco, me fui rodeando de músicos de puta madre que hoy conforman la Bonsai Orquesta, que es la banda que me acompaña. Con respecto a las composiciones, fue una época de mucha prueba. Tenía las canciones semi armadas pero las mostraba con otros amigos músicos y se fueron armando maquetas o bocetos de los temas. Después me acerqué al estudio de grabación para grabar una canción que le regalé a mi novia. Y ahí empezó otro proceso de transformación y  búsqueda.”

Consciente del valor de la libertad, la ejercita a la hora de crear sus canciones, escuchando todas las propuestas, habilitando las intervenciones de los músicos que hoy lo rodean: “Yo acepto todo, después elijo. Creo que si no que perdés mucho. Toco con músicos que considero que son mejores que yo: ¿Por qué no voy a aceptar sus ideas? Creo que me estaría perdiendo de un arte hermoso si me privo de eso. Lo demuestro en mi forma de laburo. Eso sí, se manejan tiempos más extensos.”

En poco más de un año, ya tiene un puñado de canciones que buscan difundir su mensaje de la forma más transparente posible y la base que inspira este nuevo proyecto solista es el amor.

Otra muestra de esa libertad, a la que quiere rendirle culto en cada instante,  se puede evidenciar en la grabación del vídeo de Jardinero de Marte, canción que grabó en vivo, en una sola toma: “Surgió ir a grabar un domingo a la tarde a pasear por la ciudad (Luján)  y salió de forma natural. Fue mágico. Y casualmente tiene que ver con las cadenas que mencionaba antes que me privaban de experimentar este tipo de cosas y permitirme aceptar la simpleza porque es lo más difícil de aceptar y es a la vez lo más hermoso. Eso es justamente lo que busco.”

“Creo que el futuro no existe. El pasado fue un hoy en ese momento y el futuro es un hoy en otro momento. Yo soy mi propio productor, rodeado de mucha gente que me está ayudando. Es muy necio no escuchar. Siempre es necesario escuchar. ”

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El 8 de septiembre en The Roxy  tuvo su bautismo formal cuando se presentó junto a Chowi,  la cantante Sofía Tapia, quien presentó nuevo álbum Something is waiting. Allí mostró su nueva cara.  Su proyecto solista poco se parece a su pasado rockero. Las canciones no buscan identificarse con un género determinado, ni su estilo intenta encasillarse en alguna etiqueta. Su renovación implicó también sacudirse los prejuicios musicales para dejar entrar en sus melodías ritmos provenientes de las más diversas expresiones musicales. Canciones como Jardinero de Marte o Alfonsina son un fiel reflejo de su sello compositivo.

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 “Quiero que la gente cuando me venga a ver pueda desconectarse y vivir el momento. Disfrutar el presente, ahí, en ese momento.  Que pueda trascender mi mensaje, levantar las banderas del amor. Recibo críticas por eso, pero para mí es la base de todo.”

La banda que lo acompaña – integrada por Gabriel Rodríguez Basso (compañero en Jerbos) Valentín Díaz Robba y Marcos Martínez (Obaca para los amigos) –  toca al ritmo de su optimismo y cree en sus canciones. Hoy es Pablo Zago. Hoy se encuentra grabando, editando, tocando, filmando videos, presentando canciones. “Estoy haciendo lo que amo”, me afirma con total seguridad.

PABLO ZAGO

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Entrevista a un ídolo

por @GFKArgentina

El viernes pasado en el Teatro ND Ateneo, los ex integrantes de Morphine se presentaron junto al músico Jeremy Lions bajo el nombre de Vapors Of Morphine y protagonizaron un recital inolvidable tanto para ellos como para nosotros. Por suerte, un rato antes del show pude conocer y entrevistar a un verdadero ídolo: Dana Colley, el mítico saxofonista y fiel representante del legado musical que nos dejó junto a Mark Sandman, Jerome Deupree y Bill Conway.

Todos los que me conocen, saben que soy un militante de Morphine y que les he intentado inocular mi fanatismo musical por la banda. Con algunos – no son pocos- lo logré y con otros no tuve tanto éxito. Aquellos con los que comparto este nuevo vínculo musical, automáticamente me preguntaron cómo había hecho cuando les conté que pude entrevistar al legendario Dana Colley, ya que no pertenezco a ningún medio masivo nacional y las chances de poder llegar a entrevistar a músicos extranjeros es casi nula. Sin embargo, con Dana fue todo muy simple y humano.

Todo comenzó cuando me enteré que Vapors Of Morphine – la banda que conforman él junto a otro ex Morphine como Jerome Dupree y el músico Jeremy Lions (sí, el encargado de reemplazar a Sandman) – venía nuevamente a Buenos Aires. En esa misma publicación, además de promocionar el show, estaba etiquetado Dana. Cuando hice click sobre su nombre, pensé en encontrarme con una fanpage institucional típica de los músicos, pero para mí grata sorpresa, era la puerta a su cuenta personal. Sin dudarlo, le mandé la solicitud que devolvió instantáneamente con un aprobado. Empecé a chusmear un poco sus publicaciones pero ahí quedó el asunto.

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Unos días antes del recital, mi adormecido instinto periodista empezó a despertar. Mientras leía un libro de Osvaldo Soriano (creo que sus crónicas periodísticas me motivaron) sentí la necesidad y el impulso de, al menos, intentar arreglar una entrevista con él. Solo debía escribirle un mensaje directo. Un “enviar” era lo único que me distanciaba de Dana.

Lo hice, y al igual que con la solicitud, respondió al instante, diciéndome que podíamos combinarla para el viernes, durante la prueba de sonido. Lógicamente, me costó creerlo pero pasada la emoción del contacto digital, empezó a crecer cierto escepticismo que me hizo bajar a tierra. Ser más cauteloso. Esperar hasta el viernes y que sea lo que Dios quiera.

A las 19. Dos horas antes del recital, yo tenía que estar haciéndole una nota a Dana. “Si claro” pensaba mientras me acercaba al teatro temiendo que alguno de la organización me bajara el pulgar e impidiera poder encontrarme con el legendario saxofonista de Morphine. Llegué, retiré la entrada y les dije que tenía apuntada una entrevista con Dana Colley. Me hicieron esperar unos minutos hasta que vino un tipo y me dijo “¿Vos venís a hacer la nota?, Pasa”.  El ingreso hacia el camarín fue una montaña rusa de felicidad y goce que jamás voy a poder describir. Ahí estaba Dana tomando un té, estrechándome la mano, con una calidez hogareña. “¿Querés tomar algo?, servite lo que quieras”. Había una mesa repleta de morfi: picada, frutadas cortadas en trozos, agua, birra, barrita de cereales y bocha de cosas más.

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A unos metros estaba Jerome Deupree, quejándose de que este 9 de noviembre le harían sesenta tirones de orejas (N de autor: Originalmente en la nota decía que cumplía setenta. El propio Jerome se encargó de tuitearme para aclararme que era viejo pero NO TAN viejo). Mientras lo saludaba, Dana me dijo que tenían que ensayar unos temas más y que por favor lo esperara unos minutos. No problem, le dije.

Mientras los esperaba, escuchaba los ensayos de You Like Like Rain, Cure For Pain y otros clásicos más que me inducían a un estado de ensueño. La morfina había hecho efecto. Después de algunos temas más que repasaron, Dana volvió listo para ser entrevistado. Antes de arrancar el reportaje, me dijo “disculpa por hacerte esperar”.

De ahí en adelante, lo que van a leer ahora:

  • Llegaron el miércoles, ¿cómo fue el itinerario de esta nueva visita a la Argentina?
  • Llegamos a Buenos Aires el miércoles e hicimos el workshop en el Instituto Tamaba y asistimos a la presentación del documental sobre Morphine “Journey Of Dreams”. El jueves viajamos muy temprano a Córdoba donde hicimos un show en Casa Babylon y hoy nuevamente muy temprano volvimos – su subconsciente lo traiciona y primero dice “a casa” – a Buenos Aires, que se siente como estar en casa.
  • ¿Cómo están siendo tratados?
  • La estamos pasando genial. La gente es muy amable y realmente nos hacen sentir como si fuera nuestra casa. Aman la música, conocen lo que hacemos, se acuerdan de la banda. Creo que tenemos una relación muy especial.
  • ¿Les sucede en otros los lugares a los que van a tocar?
  • No para nada. En Estados Unidos tocamos todos los sábados en un pequeño bar para poca gente. No somos famosos ni le interesamos a la mayoría aunque sí tenemos un pequeño grupo de seguidores. No solemos hacer shows en lugares como este en los Estados Unidos sino más bien en recintos más chicos.
  • Viniste por primera vez a Buenos Aires con Morphine en 1997 ¿Qué recuerdos tenes de aquella visita?
  • Tengo recuerdos borrosos. Fue hace muchos años y estuvimos muy poco tiempo. Recuerdo haberme sorprendido por la arquitectura de Buenos Aires que me remitió a París y al mismo tiempo me pareció una ciudad cosmopolita como Nueva York.
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Entrada de Morphine de su primera visita en 1997. Tocaron en Dr.Jekyll. Extraído del Facebook de Seiko Olaf Lebreton

 

  • ¿Crees que el legado de Morphine está siendo re descubierto por las nuevas generaciones?
  • Creo que en este país está sucediendo eso y en algunos lugares de Europa. En Estados Unidos solo un poco . Creo que estas nuevas generaciones interesadas en la música suelen mirar hacia el pasado y ver qué es lo que hubo antes. Demuestran interés en la historia de la música y creo que estamos listos para ser redescubiertos. Eso nos alegra mucho y lo apreciamos.
  • ¿Cuál es tu álbum favorito de Morphine?
  • En mi opinión creo que Cure For Pain es nuestra obra maestra. Creo que es el más fuerte entre todos los discos.

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  • Vapors Of Morphine emergió en 2009 – en aquel momento bajo el nombre The Ever Expanding Elastic Waste Band – para la conmemoración de los 10 años de la muerte de Mark Sandman durante el show en la localidad de Palestrina en Italia: ¿Qué pasó en esa década?
  • Desde el 99 hasta 2009, Billy Conway, yo, Jerome Deupree y otros amigos de Mark o músicos que solían tocar también con él formamos la Orchestra Morphine de nueve integrantes. Durante el 2000 hicimos una gira por los Estados Unidos en la que tocábamos las canciones de Morphine e incluimos algunas composiciones de otras bandas en las que Mark participó. Después girar durante todo un año, al ser muchos integrantes y lo que implica poder sincronizar los tiempos, cada uno encaró nuevos proyectos o se enfocó en asuntos particulares. En mi caso, continué trabajando con Billy Conway y Laurie Sargent con la banda Twinemen. Sacamos 3 discos. Fue un proyecto en el que nos despegamos un poco de Morphine para volver al proceso compositivo de cada uno. Tratar de innovar en algo nuevo, totalmente original. Estoy muy orgulloso de esos trabajos pero muy difícil poder proyectar esa banda internacionalmente. En 2008 formé una banda con Monique Ortiz llamada A.K.A.C.O.D con la que también un grabé un disco. Ese mismo año fue la crisis económica en Estados Unidos, fue un tiempo muy difícil para los músicos y sobre todo para encarar un nuevo emprendimiento . En 2009, los organizadores de Palestrina nos invitaron para conmemorar los 10 años de la muerte de Mark. Ya habíamos ido con la Orchesta Morphine al año siguiente, pero para esta ocasión tenía ganas de que la alineación sea nuevamente un trío que se pareciera más al Morphine original. Billy estaba ocupado y Jerome estaba disponible, y a su vez estaba trabajado con Jeremy Lions, quien se había mudado a Boston después del desastre de Katrina en New Orleans bajo la presidencia de George Bush quien no hizo nada por las víctimas  – fueron abandonados y nadie los ayudó – . Cuando conocimos a Jeremy se generó una muy buena relación y me pareció que él podría ser el tercer integrante. Por suerte no tuvo problemas en sumarse y aprender las canciones de la banda.
Orchestra Morphine, una de las diversas bandas que Dana integró post Sandman
Orchestra Morphine, una de las diversas bandas que Dana integró post Sandman

 

  • La banda publicó dos álbumes desde su creación, el primero titulado “Low in stock” y el segundo, mucho más reciente, denominado “A new low”. Ambos tienen nuevas versiones de las canciones de Morphine así como covers de otras bandas o artistas. ¿Qué ofrecen estas nuevas interpretaciones a diferencia de las originales?
  • Eso proviene de los shows en vivo donde nos nutrimos de distintas fuentes: las influencias de Jeremy como por ejemplo el delta blues. Todo lo que tocamos es reinterpretado por lo que estamos sintiendo en ese momento: puede ser una canción de Mophine o del delta blues, del oeste africano o de Brian Eno. Cualquier cosa que toquemos y sentimos que funciona, tiene su propia vida como para ser incluida en un álbum.
  • ¿Cómo descubriste el saxo barítono?
  • Como cualquier niño, me atraían los instrumentos atípicos, comencé con el clarinete y después descubrí el saxofón cuando escuché la canción de la Pantera Rosa de Henry Mancini. Me pareció muy groovy. A su vez, siempre quise que el saxo tuviese un lugar más preponderante, como la guitarra y no solo ser un instrumento de fondo. Y creo que el saxo barítono puede ocupar ese lugar.
Dana Colley saxo
Fuente: Eduardo Cesario/ RockImagery
  • Por lo que pude ver en tu Facebook estás siguiendo atentamente el proceso electoral que se está llevando a cabo en tu país. ¿Apoyas a alguno de los candidatos?
  • Voté por Bernie Sanders en las elecciones. Siempre voté a los demócratas. Nunca vi algo en el lado republicano que tuviera sentido para mí. Lo que está pasando ahora es algo que jamás pensé imaginar que pudiera ocurrir. Cuando Ronald Reagan se presentó, en aquel momento pensaba “es un actor, ¿nadie más lo está viendo?, ¿Quién puede votar por él?” Bueno, claramente estaba equivocado. Lo mismo me pasó con George W. Bush y ahora con Trump: al principio decís no hay chance, nunca, nunca, nunca, pero mirás a los otros candidatos republicanos y surge la pregunta: ¿contra quiénes compite?, ¿Ted Cruz?, Mark Rubio? Son todos unos ridículos.
  • ¿Crees que Trump tiene alguna chance?
  • Tengo esperanzas de que no. Tampoco soy seguidor de Hillary Clinton. No me siento atraído por su propuesta. Me interesa mucho más lo que Bernie Sanders tiene para decir.
  • Cuando escucho la canción “Test Tube Baby/Shoot’em Down” (“Good”/1992) en la que Mark irónicamente canta “Derriben a Panamá, derriben a Colombia, derriben a México” se me viene Trump a la cabeza.
  • Trump es un racista y misógino. Bueno es que es lo mismo que estaba sucediendo durante la presidencia de Bush padre (dicha canción es de 1992). Es difícil de creer que exista ese tipo de pensamiento. Me gusta Obama, vote por él. Creo que es un político razonable pero, de todos modos, son todos políticos a los que los mandan a hacer un trabajo que yo no querría hacer. ¿Quién es el mejor para hacerlo? No lo sé, pero creo que Trump no es bueno para Estados Unidos ni para el mundo. Es un idiota. Es un idiota peligroso.
  • ¿Qué música estás escuchando por estos días?
  • Escucho muchas cosas distintas. Me muevo del rock al jazz, del blues a la música clásica, pasando por el género experimental. Escucho mucho material que vengo siguiendo desde hace tiempo como John Coltrane, Jimi Hendrix, Muddy Waters, cosas viejas del blues, cosas de Charly García también.
  • ¿En serio, Charly García?
  • Si, desearía poder comprender mejor sus letras,  me han dicho que sus canciones tienen un mensaje fuerte.

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“Lo que intenta aportar este disco es la traducción sonora cotidiana”

Por @GFKArgentina | Esta entrevista fue publicada en la edición papel del bisemanario El Civismo.

El músico y compositor lujanense Nicolás Cércola presentó su primer álbum solista titulado Rebelión Urbana. El ex integrante de Sentires y Viejas Costumbres habló con Nuestros Idolos y nos comentó de qué trata esta nueva apuesta.

“El laberinto es el camino del que tira del que busca o persigue su intuición”, son las primeras estrofas que contiene Laberinto, la canción que abre su flamante disco. Su propio laberinto se llama Rebelión Urbana y se divide en 8 canciones donde se condensa todo el recorrido musical que inició a los 16 años y donde su curiosidad lo llevó hacia una búsqueda diversa y amplia, lejos de los muros que levantan los géneros. De eso se trata su primera experiencia solista en la que los ritmos folclóricos se amalgaman con arreglos electrónicos y los diversos estilos se supeditan a su propuesta ecléctica y desprejuiciada, nutriéndose de ese inabarcable mundo que es el conurbano bonaerense.

Mientras lees la entrevista, escuchate el disco en YouTube:

  • ¿Cuándo arrancaste a transitar la senda musical?, ¿Cómo fue ese comienzo?

La música llega a mí desde una transición genética, mi padre es músico, mi madre es una gran escucha, mi hermana es profesora de piano y mi hermano DJ. La música forma parte de lo cotidiano. Desde los 16 años llevé esta necesidad de expresión fuera de mis vínculos cercanos, puntualmente la primera fue haciendo rock & funk en Concordia, Entre Ríos, acompañado, entre otros, por Coqui Rodríguez (actual guitarrista de Pedro Aznar) recuerdo esa primer interacción como muy agradable.

  • ‘Mamá está loca’, ‘Canto blanco’, ‘Dúo Matiz’, ‘Mendo&Negro’, ‘Despro – lijos’, ‘Viejas Costumbres’ y ‘Sentires’ fueron las formaciones que integraste desde tus inicios. Has frecuentado disimiles proyectos musicales. Me gustaría que me cuentes cómo fueron esas experiencias y por qué elegiste un trayecto ecléctico y diverso.

Todas estas experiencias fueron muy agradables  y sumamente necesarias evolutivamente. De todas ellas disfrute y aprendí mucho. Siento que el trayecto diverso tiene que ver con mi comportamiento inquieto, investigativo y que lleva la necesidad de nuevas experiencias constantemente, el haber interpretado rock, pop, funk, reggae, tango, folclore, boleros, música brasilera justamente viene porque me he formado como músico y persona con toda esa mezcla.

  • ¿Por qué decidiste dejar los proyectos colectivos e iniciar una carrera solista?, ¿Cuándo lo decidiste?

Sentí  la necesidad de mezclar todas las experiencias y sumar otros mundos sonoros, sentí que era un viaje personal  el cual da como resultado nuevas formas de expresión. Lo decidí, luego de un proceso, en Julio 2013 cuando me alejé del proyecto que integraba.

Nico Cércola
Nico Cércola
  • Respecto a tu disco, fue publicado digitalmente en mayo y lanzado en forma independiente en julio de 2015: ¿Qué recepción del disco tuviste al momento?, ¿Qué diferencias encontrás entre la difusión digital y la publicación física del álbum?

Desde un tiempo atrás cambió mucho la manera de escuchar música y con eso cambió la forma en como los músicos y discográficas distribuyen y propagan sus proyectos. La difusión y distribución digital, hoy en día, es inmensamente más fuerte que la distribución física. En mi caso en mayo publiqué y distribuí el disco en forma digital mediante las tiendas musicales de internet como por ejemplo Bandcamp, como así también lo publiqué para la difusión libre en otros sitios como por ejemplo Youtube.

Recién en julio decidí publicarlo físicamente con una apuesta mayor que es la de ser mi propio productor fonográfico y que legalmente sea un disco independiente, el cual se distribuye mediante las redes sociales con envíos a todo el país.  Una apuesta más práctica y actual para distribuir la música la cual tiene buena recepción.

Sentí  la necesidad de mezclar todas las experiencias y sumar otros mundos sonoros, sentí que era un viaje personal  el cual da como resultado nuevas formas de expresión
“Sentí la necesidad de mezclar todas las experiencias y sumar otros mundos sonoros, sentí que era un viaje personal el cual da como resultado nuevas formas de expresión”
  • Sostenes que el disco tiene una identidad sonora de la región bonaerense: ¿Cuál sería esa identidad y cómo la construiste?

La identidad sonora está en constante construcción lo que intento con este disco es aportar en esa búsqueda desde una visión personal y utilizando herramientas alternativas.

Todas las regiones tiene una sonoridad representativa,  lo que intenta aportar este disco es la traducción sonora cotidiana (muchedumbres, vehículos, celulares, bocinas) a música mediante texturas electrónicas y que los leguajes visuales y escritos lleven problemáticas más actuales con el fin de estar más representado.

  • ¿A qué refiere el título “Rebelión Urbana”?

Este disco es un acto de rebeldía, rebeldía contra la estética y el lenguaje que venía interpretando y cual sentía que no me era representativo. Urbana es la estética musical que propongo.

  • La incursión en diferentes géneros y ritmos se ven muy reflejadas en el disco: ¿Cómo logras sostener tu esencia sin que se pierda entre la diversidad sonora?

Es una cuestión natural, el interpretar diferentes géneros te da herramientas que al momento de expresarte se utilizan con total fluidez si se dejan de lado los pre conceptos y el pensamiento cerrado que lo géneros son de una forma inmodificable. El lograr un sello particular es un utópico y hermoso camino.

  • El disco lleva tu nombre y las canciones tienen una impronta introspectiva: ¿Cómo fue la decisión de llevar todo esto a un disco?

La decisión nace desde la necesidad de expresar una etapa vivida, que tiene inquietudes que pasan por conocerse y modificarse con un acto de evolución, las canciones invitan a pasar por esta etapa.

  • ¿En qué te inspiraste para componer las canciones?

Las fuentes de inspiración son variadas pero en general me inspiran los actos que me conmueven, estos pueden ser un sentimiento, una actitud, un gesto, una palabra, varias cosas pueden disparar la necesidad de expresarme.

  • ¿Quiénes participaron en la producción del disco?

El disco está producido musicalmente por El Chávez (productor de Gustavo Cordera, Kapanga, No te va gustar, Fidel Nadal. entre otros) que con su talento tuvo que ver mucho con la estética lograda, como así los músicos participantes Pablo Paz, Licina Picón (tecladista de Cordera) y Juanito el cantor (guitarrista de Cordera y productor de Miss Bolivia, entre otros).  El sonido final está muy bien logrado por la masterización de Carlos Laurenz. También está el gran aporte de los músicos que me acompañan en los sets en vivo que son Marcos Martínez en percusión y Christian Cércola en programaciones.

NICO CÉRCOLA    

rebelión urbana                                                                                                                                                                    

– Álbum: Rebelión Urbana

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